Inter...genial!

1.Nascita di Venere 

Il quadro fu dipinto da Sandro Botticelli, risale al 1484-1485 e fu commissionato da Lorenzo De’ Medici, per il cugino, come per la Primavera.

L’artista dipinge il quadro ispirandosi alla leggenda della Nascita di Venere.

Il personaggio principale del dipinto si trova al centro della composizione ed è Venere, la Dea della bellezza e dell’amore. La Dea è nata dalla schiuma e dalle onde del mare ed è giunta fino a riva su una conchiglia. La Dea è nuda, coperta solamente dai suoi lunghi capelli dorati.

La Venere è spinta da sinistra da Zefiro, il vento, il quale è abbracciato a Clori, con cui simboleggia la fisicità dell’atto d’amore; i due sono circondati da una cascata di rose, le quali sono un attributo molto importante per Venere.

I due personaggi a sinistra spingono la Dea verso Flora a destra, che l’accoglie porgendole un mantello rosso per vestirla.

Infine, il tema fondamentale del quadro è l’amore, come momento di elevazione spirituale, la composizione assume infatti leggerezza e tutte le figure sembrano perdere ogni peso.

L’amore inteso da Botticelli come mezzo di elevazione spirituale, non solo come passionale, rispecchia la situazione di pace, cultura, raffinatezza che fu portata da Lorenzo il Magnifico a Firenze.

 

2.Primavera

Il quadro fu dipinto da Botticelli per il cugino di Lorenzo il Magnifico. Il titolo “La Primavera” fu dato da Vasari, che mise in risalto la figura di Flora che sparge i fiori. Le figure si trovano in un giardino di aranci con un prato ricoperto di tantissime specie di fiori. Botticelli sceglie gli aranci perché erano piantati nelle ville che i Medici avevano nei dintorni di Firenze. A destra c’è Zefiro, il vento di primavera, che afferra la ninfa Clori. Le ninfe nella mitologia greca erano divinità minori femminili. Clori viene fecondata e rinasce come Flora, la Dea della primavera. Al centro c’è Venere, dea dell’amore, circondata da mirto, mentre sopra di lei possiamo vedere suo figlio Cupido che scaglia una freccia verso le tre Grazie, che rappresentano la castità, la bellezza e l’amore. A sinistra il messaggero degli Dei Mercurio agita il Caduceo, un bastone con due serpenti, per allontanare le nuvole dal giardino. Il giardino simboleggia un’eterna primavera, che esprime la situazione felice di Firenze al tempo della famiglia de Medici. La linea di contorno delle figure è sottile e fluente, per rendere armoniosi i personaggi, che sembrano danzare. Botticelli era l’artista preferito da Lorenzo il Magnifico perché il suo stile era molto elegante.

 

8. Testa di Medusa

Questo scudo è stato realizzato da Caravaggio nel 1597, ed è conservato nella Galleria degli Uffizi di Firenze. Di questo scudo esistono due versioni:

* La prima è un dipinto a olio su tela e si trova in una collezione privata in Italia

* La seconda fu commissionata dal cardinal del Monte per Ferdinando I de’ Medici che stava allestendo una sala dedicata alle armi

Il tema della Medusa aveva un valore simbolico in quanto allegoria della sapienza e della prudenza, e questo tema era molto caro ai Medici.

Questo scudo era posto in una sala della Galleria su di un manichino a cavallo, quando però nel Settecento l’Armeria venne venduta rimase solo lo scudo a testimoniare l’ammirazione per l’opera del Caravaggio.

L’opera è in ottimo stato dopo il restauro subito in seguito all’attentato dei Georgofili che l’aveva danneggiata.

DESCRIZIONE:

la luce che proviene dall’alto proietta l’ombra della testa sul fondo verde dello scudo. Il volto della Medusa è colto nel momento dell’urlo. Dalla base della testa sgorga il sangue, in più possiamo notare la bocca spalancata che mostra i denti. La luce evidenzia inoltre anche l’orrore prodotto dalla capigliatura di serpi.

ICONOGRAFIA:

Medusa o Gorgone era un mostro con la testa ricoperta da una capigliatura di serpi sibilanti, il cui sguardo aveva il potere di pietrificare chiunque la guardasse. L'eroe Perseo, grazie all'aiuto di Minerva e Mercurio trovò Medusa e la uccise tagliandole la testa. Per poter evitare lo sguardo terrificante, l'eroe non guardò il mostro, ma la sua immagine riflessa su uno scudo di bronzo. In seguito, donò la testa tagliata a Minerva che la collocò sul suo scudo per terrorizzare i nemici. Secondo alcuni studiosi, Caravaggio avrebbe fuso nel dipinto due aspetti differenti del mito: l’immagine riflessa di Medusa sullo scudo di Perseo, e la testa del mostro collocata sullo scudo di Minerva. Per i capelli invece si pensa che abbia osservato alcuni disegni botanico-naturalistici posseduti dai Medici.

Lo scudo era uno dei tanti scudi da parata che aveva il significato di tener lontano il male in quanto Medusa poteva pietrificare con lo sguardo chiunque la guardasse.

 

11. Ritratto di Eleonora di Toledo con il figlio Giovanni

Il Ritratto di Eleonora di Toledo col figlio Giovanni è un dipinto a olio su tavola di Agnolo Bronzino e fu dipinto nel 1545.

Eleonora di Toledo era la duchessa di Firenze e moglie di Cosimo De' Medici raffigurata con uno dei suoi 11 figli, Giovanni.

Per molto tempo fu creduto che il vestito che Eleonora indossava nel ritratto fosse il vestito con cui era stata sepolta ma questa voce fu smentita.

Lo sfondo scuro, si illumina attorno al viso di Eleonora, ritratta seduta col figlio accanto in piedi. In realtà, si scopre che non si tratta di una parete ma di un cielo. 

Sebbene l'artista cercò di creare un ritratto cerimoniale, sono state lette varie emozioni sui volti dei protagonisti, da una certa malinconia di Eleonora, all'irrequietezza del bambino, che sembra cercare con gli occhi vispi un diversivo allo stare in posa.